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Anselmo Guinea, Capa, Chim y Taro, Goya, Botero y José Ramón Anda serán los protagonistas de las exposiciones temporales que el Museo de Bellas Artes de Bilbao tiene programadas para 2012.

Javier Viar, director del Museo de Bellas Artes de Bilbao, ha presentado el avance de los principales contenidos del Programa de Exposiciones previsto por el museo para el próximo año 2012.

Anselmo Guinea (1855-1906). Los orígenes de la modernidad en la pintura vasca. Será la primera exposición monográfica dedicada al pintor bilbaíno Anselmo Guinea (1855–1906), para la que se han reunido más de 80 obras, de las cuales más de la mitad son inéditas y otra buena parte no ha sido expuesta al público desde hace más de 100 años.

Es una ocasión única para valorar el delicado virtuosismo y la espléndida captación de la luz de un pintor fundamental para conocer las transformaciones estéticas de la pintura vasca del cambio de siglo.Sala BBK 13 de febrero  al 20 de mayo de 2012. Patrocina Fundación BBK (más información…)

La maleta mexicana. El redescubrimiento de los negativos de la Guerra Civil española. Capa, Chim y Taro
Sala 32 del Museo de Bellas Artes de Bilbao del 27 de febrero al 10 de junio de 2012
La exposición muestra por vez primera las fotografías tomadas por Robert Capa (Budapest, 1913– Tyhai Binh, Indochina, 1954), David Seymour “Chim” (Varsovia, 1911–Suez, 1956) y Gerda Taro (Stuttgart, 1910–Brunete, Madrid, 1937) durante la Guerra Civil española.

Se trata de tres cajas de negativos conocidas como “la maleta mexicana”, que se habían dado por perdidas y que reaparecieron en Ciudad de México en 1995. Contienen 126 carretes con 4.500 instantáneas de excepcional valor documental. Estos tres reporteros, considerados los primeros fotógrafos de guerra de la era moderna, fueron no sólo testigos de excepción del conflicto bélico sino también, y a través de sus fotografías, activos militantes contra el fascismo. (más información…)

Goya. Estampas de invención. Caprichos, Desastres, Tauromaquia y Disparates.
Sala BBK  11/06/12–23/09/12 Patrocina Fundación BBK
La exposición mostrará las cuatro series de grabados referenciales de Francisco de Goya (Fuendetodos, Zaragoza, 1746–Burdeos, Francia, 1828) que se conservan en el extenso fondo de obra sobre papel perteneciente a la colección del Museo de Bellas Artes de Bilbao: Los Caprichos (80), Los Desastres de la Guerra (80), La Tauromaquia (40) y Los Disparates (18). Son 218 estampas en las que se plasma el talento del genio aragonés y el punto de inflexión que supuso su obra dentro de la historia del grabado. Goya ejecutó estas series sin verse sujeto a encargos que pudieran rebajar su condición artística. Además, el dominio de las técnicas de grabado –combinando el aguafuerte para trazar el dibujo de la composición, la aguatinta, a veces bruñida, para crear efectos de luz y volumen, y el buril y la punta seca para los retoques– permitió a Goya desplegar una creatividad hasta entonces inusitada dentro de la obra gráfica. Los Caprichos son una parte esencial de la obra de Goya y la primera colección de estampas realizada por él con el fin de ser vendida como una serie. Constituyen una crítica, en ocasiones abiertamente mordaz, sobre diversos aspectos políticos, religiosos y sociales de la época. Empezaron a gestarse en torno a 1792 y se ultimaron en 1799. Los Desastres de la Guerra comenzó a ser pasada a planchas hacia 1810, en plena invasión de las tropas napoleónicas. La vívida impresión de los horrores de la guerra y de las atroces consecuencias de lo peor del espíritu humano quedarán para siempre plasmadas en una serie atemporal en la que Goya testimonia universalmente la barbarie y la sinrazón.
Entre el drama de Los Desastres y el misterio de Los Disparates se sitúa La Tauromaquia, grabada entre 1814 y 1816 como un remanso de emoción ante la fiesta de los toros, sus lances, suertes y episodios, a la que Goya era tan aficionado. Los Disparates o Proverbios es la serie más enigmática. Su edición es póstuma y por ello quedaron sin determinar los títulos, la cronología, la ordenación y su significado. Puede fecharse hacia los años 1816 y 1823. La serie completa adquirida por el museo en 2008 pertenece a la primera edición estampada para la Academia, que es la de mayor calidad. Este extraordinario conjunto de imágenes, cuya originalidad despertó el interés de muchos artistas de las vanguardias, podrá valorarse aún más al contraponerse con otras estampas de artistas anteriores, coetáneos y posteriores que también forman parte de la colección del museo. Además, el catálogo editado por el museo con motivo de la exposición recogerá todas las estampas y un texto de José Manuel Matilla, jefe del departamento de Dibujos y Estampas del Museo del Prado.

Fernando Botero. Celebración
Sala BBK del 8 de octubre a enero de 2013
Patrocina Fundación BBK. Coproducción con el Palacio de Bellas Artes de México
Pintor, dibujante y escultor, Fernando Botero (Medellín, Colombia, 1932) es el más conocido de los artistas latinoamericanos en activo. La exposición Fernando Botero. Celebración será la mayor antológica de su carrera artística y reunirá un centenar obras, realizadas en los últimos sesenta y cinco años. Se mostrará en primer lugar, y en una versión más amplia, en el Palacio de Bellas Artes de México.
Fernando Botero inició su trayectoria profesional en 1948, trabajando como ilustrador en el diario El Colombiano de su ciudad natal. Tres años más tarde se trasladó a Bogotá, donde celebró su primera exposición individual. De formación básicamente autodidacta, en 1952 estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y frecuentó el Museo del Prado. Los años siguientes viajó por Francia e Italia, y en Florencia se interesó por la pintura al fresco. Regresó a Bogotá en 1955 y poco después viajó a México, en donde conoció el muralismo mexicano de Diego Rivera y José Clemente Orozco, y también la obra renovadora de Rufino Tamayo y José Luis Cuevas.
Poco a poco esas influencias irían desapareciendo, al mismo tiempo que Botero configura un estilo personal, caracterizado por la exaltación del volumen y por un vitalismo burlón con el que plasma motivos que giran siempre en torno a la condición humana: la vida tradicional colombiana, los personajes históricos, el bodegón, la vida burguesa, el circo y los toros… En 1960 se instaló en Nueva York y comenzó una serie pictórica dedicada a los grandes maestros de la pintura: Leonardo, Rubens o Velázquez, entre otros.
Esta condición monumental y la deliberada desproporción de las figuras se suceden también en sus esculturas de representaciones humanas y animales, a las que dio inicio hacia 1973, año en el que fijó su residencia en París. A partir de ese momento sus pinturas y esculturas son internacionalmente reconocidas y presentadas al público en numerosas ocasiones, como las célebres exposiciones de sus esculturas monumentales en los Campos Elíseos de París en 1992 y, al año siguiente, en Nueva York, Buenos Aires y Madrid.
La muestra, en cuya organización ha intervenido Botero de forma muy directa, dará una completa idea de su trayectoria a través de un nutrido conjunto de obras, en su mayoría procedentes de su colección privada, distribuidas de forma temática. Composiciones vigorosas, formas opulentas y colores exuberantes que celebran la particular visión de la pintura del maestro Botero.

José Ramón Anda. Denboraren aurkako formak / Formas contra el tiempo
Sala 33  Del 7 de mayo al 9 de septiembre de 2012
Patrocina IBERDROLA
La muestra recoge una selección de piezas recientes del escultor navarro José Ramón Anda (Bakaiku, 1949). Son alrededor de treinta esculturas, realizadas principalmente en madera. Entre ellas, se incluyen piezas pertenecientes a las series Planos cruzados, Troncos vacíos y Mobiliarios. Tras estudiar en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, Anda viajó a Roma gracias a una beca en el año 1974. Allí conoció la escultura clásica y también la obra de artistas italianos contemporáneos como Giacomo Manzú y Marino Marini, que tanto habrían de influir en su obra. Su trabajo trasluce también la influencia del suizo Max Bill y, sobre todo, la de Eduardo Chillida y Jorge Oteiza. Con una poética siempre anclada en la escala humana, Anda sitúa sus formas, limpias y equilibradas, entre la naturaleza y la geometría.

Museo de Bellas Artes de Bilbao. Museo Plaza, 2. 48009 BILBAO

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